Wim Mertens Archives

by lookmagpt Maio 26, 2019

Descubra onde Wim Mertens vai apresentar “That Which is Not”

Wim Mertens sobe ao palco do Salão Preto e Prata para apresentar as composições que integram do o novo álbum “That Which is Not”. Uma das principais "vozes" do piano contemporâneo, Wim Mertens é um compositor que sempre soube explorar a melodia e o silêncio, oferecendo visões singulares do universo a partir da sua música, espalhada por um longa e muito aplaudida discografia que é considerada referência no universo clássico ...

Entrevista: “Pôr o dedo na ferida faz parte da nossa identidade musical”, Cara de Espelho

Com espírito crítico e uma boa dose de humor, os Cara de Espelho regressam com “D de Denúncia”, uma canção que mergulha fundo no amiguismo, nepotismo e outras práticas bem conhecidas do quotidiano nacional. Apesar de ter ficado de fora do disco de estreia, a música surge agora com nova força e atual pertinência, antecipando o segundo álbum da banda. Nesta entrevista, o grupo fala sobre o processo criativo, a importância da crítica social na música, o equilíbrio entre tradição e modernidade, e revela o que esperar do novo trabalho. Cara de Espelho não poupa ninguém — nem os Fulanos, nem os Beltranos, nem os Sicranos — e mostra que, em dia D, é tempo de pôr os pontos nos is. Como nasceu “D de Denúncia”? O que vos motivou a escrever esta canção agora? O “D de Denúncia” faz parte do primeiro grupo de canções que trabalhámos. Por não ter um arranjo fechado acabou por ficar de fora do nosso primeiro disco. É uma canção que tem como temas o nepotismo, o amiguismo, o clientelismo e a mais vulgar “cunha”. Apesar de poder ter sido uma das canções do disco anterior, não deixa de ser pertinente para este disco e para este momento em que estamos. A letra é assinada por Pedro da Silva Martins. Como foi o processo de transformar esse texto em música com os arranjos da banda? O processo tem início com a proposta do Pedro, que nos envia uma maqueta com a canção e a letra. A partir daí, enquanto banda, trabalhamos os arranjos em conjunto. Cada um traz ideias e caminhos, e como a criatividade de todos flui bastante, o processo acaba por ser semelhante a uma escultura: vamos retirando o excesso até revelar a forma final da obra. A canção fala de personagens como Fulano A, Beltrano C, Sicrano X… Há alguma inspiração concreta nesses arquétipos? Essas incógnitas ficam para quem as queira nomear. É muito provável que alguém, na vida, no emprego ou através de notícias consiga lembrar-se facilmente de dois ou três nomes que representem bem estes fulanos, beltranos e sicranos. A crítica social em “D de Denúncia” é bastante direta. Sentem que a música ainda é uma ferramenta eficaz para provocar reflexão política e social? Mantemos a esperança que sim, que a música ainda possa chamar a atenção para determinados assuntos. Gostamos de canções que façam reflectir, que tragam esse olhar crítico sobre a sociedade e sobre o mundo. Faz parte da nossa genética e identidade musical! A repetição do verso “Porque hoje é o dia D / Vamos pôr os pontos nos is” cria um apelo à ação. Que tipo de reação esperam provocar no ouvinte? O “D” dessa frase é o tal “D” de Denúncia. É alguém que vai denunciar 4 casos de compadrio (embora um deles, aparentemente, não se aparenta com ninguém). Em primeiro lugar a intenção é divertir quem ouça a canção e atente na letra, mas, claro, fica implícita uma chamada de atenção para estas situações. Cara de Espelho é conhecida por cruzar tradição e contemporaneidade. Como equilibram esses dois mundos na vossa música? Com muita naturalidade. Nas nossas bandas anteriores, de certo modo, já explorávamos esses dois campos que parecem antagónicos. Faz parte do que somos como músicos e pessoas. Temos o passado bem presente no futuro! A fusão entre música e palavra parece ser central no vosso projeto. Como definem essa relação nas composições da banda? Cara de Espelho nasceu já com essa génese. As palavras e as notas são pesadas e pensadas para que tudo resulte musical, natural, divertido, com contexto (e subtextos) e com a nossa assinatura. É esse o ponto central do nosso trabalho. Ironia e sátira aparecem com frequência nas vossas letras. É uma escolha estética ou uma consequência natural da vossa visão do mundo? Somos todos um pouco assim na vida. Temos esta coisa de olhar de forma criativa para as coisas. As nossas viagens de carrinha podiam competir com as melhores séries de humor (risos). Até criámos uma dupla de palhaços: Paralelo & Pípedo. Se Cara de Espelho não correr bem, já temos novo projeto pela frente! “D de Denúncia” é um avanço do novo álbum. O que podemos esperar do resto do disco em termos de temáticas e sonoridade? É um álbum que apresenta uma banda mais experiente, com mais estrada e concertos. O facto de nos conhecermos melhor musicalmente também ajuda. Algumas das canções foram rodadas ao vivo, o que lhes dá logo uma outra maturidade. Procurámos sonoridades e ideias temáticas que ainda não tínhamos explorado antes e estamos muito satisfeitos com o resultado. Já podem revelar se há colaborações ou elementos novos que se destacam neste próximo trabalho? Não podemos revelar! O novo álbum vai manter essa veia crítica e interventiva, ou teremos também espaço para temas mais íntimos ou lúdicos? Acho que conseguimos encontrar um bom equilíbrio entre a crítica, o lúdico e algo mais “íntimo”. Acho que todas essas “veias” se cruzam nas canções. Em Cara de Espelho tanto podemos ter uma crítica lúdica num dos temas, como uma intimidade interventiva noutro. Não sentimos estas canções com uma etiqueta exata, que são só isto ou só aquilo. Em pouco tempo, foram reconhecidos como uma das bandas mais inovadoras do panorama português. Como vivem esse reconhecimento tão rápido? Ainda sentimos que há muita gente que não conhece a nossa banda. O que é normal mas também nos dá um particular prazer, subir a um palco e ver a reação das pessoas, durante o concerto. Não somos deslumbrados com o meio musical. Já tivemos outras boas experiências antes de Cara de Espelho. O que nos diverte é fazer música que gostamos, com quem gostamos e partilhá-la com quem goste de nos ouvir. Isso tem sido bonito! Participaram em vários festivais e ganharam prémios. Qual foi o momento mais marcante desde a estreia em 2024? Felizmente, tivemos vários! Festivais como o Avante, Med, Bons Sons, FMM em Sines ou o Meo Kalorama (entre muitos …
Under the Doom 2025: quando as sombras dançaram e as trevas inundaram o coração de Lisboa

A 9.ª edição do Festival Under the Doom consolidou-se como um dos maiores eventos de doom metal da Europa, reunindo uma seleção impressionante de bandas que exploram as profundezas da melancolia e da intensidade sonora. Texto: Sandra Pinto Fotos: Luís Pissarro Realizado na Music Station, em Lisboa, o festival ofereceu dois dias de performances que variaram entre o atmosférico e o brutal, proporcionando uma experiência única aos verdadeiros aficionados do género. Com um público diversificado e entusiasta, o evento reafirmou a importância do doom metal como uma forma de expressão artística profunda e visceral. O alinhamento do festival foi cuidadosamente planeado, apresentando desde lendas do género até promissores talentos emergentes. Bandas como My Dying Bride e Swallow the Sun trouxeram a sua experiência e peso emocional, enquanto grupos como TodoMal representaram com mestria a cena ibérica. A diversidade sonora e a qualidade das atuações garantiram que o Under the Doom 2025 fosse uma celebração memorável da música doom. A organização do Under the Doom 2025 revelou um nível exemplar de profissionalismo e atenção ao detalhe, contribuindo decisivamente para o sucesso do evento. Desde a escolha do local — a Music Station, em Lisboa, que ofereceu uma acústica excelente e uma atmosfera intimista — até à gestão eficiente das entradas e do fluxo do público, tudo esteve pensado para assegurar uma experiência confortável e segura aos fãs. A programação cumpriu rigorosamente os horários, permitindo que cada banda tivesse o seu espaço sem grandes atrasos, essencial para manter o ritmo do festival e o entusiasmo da audiência. Para além disso, a produção visual e sonora esteve irrepreensível, com uma iluminação criteriosamente ajustada para complementar a sonoridade pesada e melancólica do doom metal, criando uma imersão total na experiência musical. Em suma, o Under the Doom 2025 destacou-se não só pelo excelente alinhamento, mas também pela organização exemplar, valorizando tanto os artistas como o público, consolidando a reputação do festival como um dos eventos de referência no circuito do metal extremo europeu. A banda espanhola TodoMal apresentou uma performance profundamente densa, criando uma sonoridade poderosa e carregada de emoção crua. O alinhamento do concerto foi marcado por faixas retiradas dos seus álbuns Ultracrepidarian e A Greater Good, obras que exploram temas como a alienação, o sofrimento e a crítica social, sempre através de uma lente pesada e opressiva. A combinação de riffs pesados e lentos, ritmos cadenciados e vocais agressivos mas expressivos, mergulhou o público num ambiente quase claustrofóbico, onde o som parecia esmagar e envolver cada espectador. A energia crua da banda, aliada a uma presença de palco intensa e determinada, cativou a audiência do primeiro até ao último minuto do concerto. Os músicos mostraram uma química forte e um domínio absoluto sobre as dinâmicas entre momentos de brutalidade e passagens mais atmosféricas, mantendo sempre a tensão e a expectativa em alta. Os Antimatter são um projeto fundado em 1998 pelo músico Mick Moss, que rapidamente conquistou o seu espaço na cena do doom metal e do rock gótico com uma abordagem intimista e profundamente emocional. Conhecidos pela capacidade de mesclar elementos de doom, rock gótico e folk, o grupo apresenta uma sonoridade única que explora não só o peso típico do género, mas também atmosferas melancólicas e reflexivas. No Under the Doom 2025, a banda envolveu a plateia numa viagem emocional marcada por canções que abordam temas como solidão, perda e busca interior, presentes em álbuns icónicos como Lights Out e Fear of a Unique Identity. A entrega sincera de Mick Moss, aliada ao ambiente denso e introspetivo criado ao vivo, reforçou a diversidade sonora do festival, mostrando as múltiplas facetas que o doom metal pode assumir e conquistando fãs que procuram uma experiência sonora mais profunda e contemplativa. Os dinamarqueses Saturnus apresentaram um gothic doom atmosférico, fundindo melancolia e poesia em paisagens sonoras densas e envolventes. Com temas retirados de The Storm Within, exploraram questões como a perda, a solidão e a reflexão existencial. A presença de palco, carregada de intensidade, refletiu a profundidade emocional que caracteriza a banda. A iluminação e o cenário foram cuidadosamente pensados para criar uma atmosfera imersiva, transportando o público para o universo sombrio e contemplativo de Saturnus. Uma atuação que evidenciou a capacidade do grupo em despertar emoções profundas e duradouras. Formados em Copenhaga em 1991, os Saturnus tornaram-se uma das referências do doom metal europeu, reconhecidos pelo seu estilo melódico e profundamente emotivo. O álbum de estreia, Paradise Belongs to You (1997), marcou o início de uma carreira pautada por composições longas, letras introspetivas e uma sonoridade que combina o peso do doom com elementos neoclássicos e góticos. Ao longo das décadas, a banda manteve uma produção cuidadosa e esporádica, o que apenas reforçou o carácter culto do seu trabalho. Com Veronika Decides to Die (2006), inspirado na obra de Paulo Coelho, aprofundaram ainda mais a sua proposta artística, abordando a fragilidade humana com uma honestidade desarmante. Os finlandeses Swallow the Sun assumiram o papel de cabeças-de-cartaz no primeiro dia do festival, oferecendo uma actuação que transitou entre o funeral doom opressivo e o gothic metal melódico. Com repertório de álbuns como The Morning Never Came e o mais recente Shining, a banda proporcionou uma experiência sonora rica em nuances e atmosferas densas. A voz de Mikko Kotamäki e os arranjos instrumentais criaram uma ambientação única que cativou o público. A iluminação foi cuidadosamente planeada para complementar a sonoridade, criando uma imersão completa. A interação calorosa com os fãs lisboetas reforçou a ligação entre banda e audiência. Uma actuação memorável e emocionante. Formados em 2000 na cidade de Jyväskylä, os Swallow the Sun rapidamente se destacaram na cena doom europeia graças ao seu álbum de estreia, The Morning Never Came (2003), considerado um dos marcos do género na década. Ao longo dos anos, construíram uma discografia sólida e emocionalmente intensa, marcada por temas como perda, sofrimento e transcendência, abordados com uma sensibilidade rara dentro do metal extremo. A banda conseguiu manter uma identidade própria, mesmo ao explorar diferentes facetas sonoras, consolidando-se como um dos nomes mais …
Interview: “They called us witches; we became a band”, The Charmers

Between past and present, The Charmers emerges as a deeply sensory and politically conscious project, where music, visual art, and historical research intertwine to give voice to forgotten figures — namely, women and other marginalized individuals accused of witchcraft in 17th-century Scotland. Conceived by multidisciplinary artist Anne Robinson, the EP Not To Be Found stems from extensive archival research, transformed into a musical narrative that reimagines the possible fate of a real group of people accused of witchcraft, recorded in a legal scroll from 1658. Through speculative imagination, these figures are brought back to life as a “band of time-travelling players” — turning history into sound, image, and performance. In this interview, we explore the origins of this unique project, its blend of myth and reality, and how music becomes a tool for resistance, remembrance, and transformation. The Charmers is not just a record — it is a space for listening, questioning, and belonging, especially for those who have ever felt like outsiders. Not To Be Found is an EP with a very unique concept, based on historical research into the witch trials in Scotland. How did the idea for the project come about and how did you transform this research into music? I am a visual artist – quite multidisciplinary, but usually working with film and sometimes collaborating with musicians. The ‘Charmers’ work developed out of an earlier with ‘The Hurrier’ (2021) which was a 5 screen installation built around a kind of experimental ballad. This work involved looking into records of my matrilineal ancestors.. mostly in old church records in south-west Scotland. These women were poor and often chastised by the authorities. I knew the ‘witch’ trials in my home town of Ayr and in surrounding area, were intense and I made the connection with women and outsiders getting into trouble but back in the 1600s, this could involve being accused of witchcraft and even executed. I also did an artist’s residency at Beaconsfield Contemporary Art in London in 2022 which developed the work, but also increasingly found the research really quite traumatic – then I found on a legal scroll from 1658, a record of seven people (6 women, 1 man) accused as a ‘coven’ and they had apparently got away just before their trial. So, from there, I speculated how they could have escaped and lived and a ‘band of travelling players, became a band of time-travelling players – and eventually a real band! The concept behind The Charmers blends history, mythology, and social commentary. How did you incorporate these themes into the music and visuals of the project? I wrote the songs (including the ones on EP) in the project over the course of about 2 years – and got help and advice from the musicians involved along the way. The lyric writing process is kind of incorporating some basic narratives, inventing characters – and I have previously done poetic writing of this kind as part of my art practice – and also important have been some phrases I came across during the research such as ‘if you say so, so I am’ – final recorded words of an accused witch in Ayr, before execution – so influenced by ‘fictioning’, speculative fiction’ and also the idea of ‘critical fabulation’ from writer Saidiya Hatrman. The EP combines different styles, referencing folk and electronic music. What were the main musical influences behind this work? Hard to say! But possibly for me at least, Sandy Denny, Patti Smith and Scottish folk ballads The cover artwork is quite striking. How does Anne Robinson’s work as a visual artist complement the music and overall concept of the project? Basically I guess the record and the songs are part of my art practice – so use the kind of experimental film style from my earlier work. During gigs, we have projections specially made for each song – some incorporating forms of animation and overlays and images of witches’ familiars/animals – but also the invented queer characters portrayed by performers that I filmed The EP includes tracks like “Song for the Leaving”. What stories or emotions do your songs aim to convey? They are different from each other really – so some more expressing rage injustices of this time in history, but also thinking of the real people involved, connecting ideas to now, and also wanting to offer hope and resistance – so not all just based around horror. I think ‘Sing for the Leaving’ sounds very sad, but also welcomes all the outsiders in I hope in a comforting way – so.. rage, sorrow, hope and comfort! The Charmers is a multidisciplinary project, including films, workshops, and conversations. How does the music integrate with these other art forms, and what kind of complete experience do you hope to offer the audience? I think I have partly answered this above – but also I hope that the audience experience involves responding to the way the songs make these named from old documents into real people and also allows for magical speculation through the words and pictures. The concept of ‘fugitive witches’ forming a band in a parallel universe seems to resonate in the songs and lyrics of the EP. How does this narrative reflect in the sound of the tracks? Yes this theme is very important as in fact the work developed from the research and discoveries and then imaginative story-building process – there is some call and response in the vocals as performed live, the fiddle evokes the Scottish setting and guitar sounds are at times pretty harsh and effective in conveying some of the fear and intensity I think. The release coincides with the live show in Edinburgh. What can fans expect from this live performance at the Fruitmarket? We have done some gigs already which have been very well received with a lot of audience members both enjoying the music – it is quite an unusual hybrid sound, and also very engaged with the ideas and histories – and expect …
Entrevista: “Cada álbum é um capítulo de uma história que ainda está a ser escrita”, Letters From a Dead Man

Letters From a Dead Man é um projeto musical conceptual dos músicos Hugo Piquer Branco e Ricardo Filipe Bóia, que se distingue pela sua profundidade emocional, narrativa cuidada e uma ligação íntima entre as suas canções, como se cada uma fosse uma carta escrita de um diário pessoal. Com uma trajetória que começou de forma espontânea e tímida, ganhou vida através da persistência e da cumplicidade entre os seus dois membros, que encontraram na música um espaço para expressar medos, memórias e emoções profundas. Por: Sandra Pinto Nesta entrevista com Hugo Piquer Branco, exploramos a origem do projeto, o significado por detrás do nome enigmático da banda, e a evolução natural do seu processo criativo ao longo dos anos. Falamos também do percurso discográfico que construiu uma história rica, marcada por temas recorrentes e um constante crescimento artístico e pessoal. Através das suas palavras, conhecemos os desafios e as escolhas que moldaram o caminho até ao lançamento do álbum mais recente, My Only Fear Remains Unseen, um trabalho carregado de melancolia, esperança e autenticidade. Acompanhe-nos nesta conversa onde a música se transforma em narrativa, revelando o universo singular dos Letters From a Dead Man. Como nasceu o projeto Letters From a Dead Man? Foi uma ideia que surgiu de forma espontânea entre vocês os dois ou já tinham um conceito definido desde o início? Comecei a escrever canções por volta dos 13 ou 14 anos, apenas com uma guitarra acústica, sempre sozinho. Durante muito tempo tive receio de mostrar essas músicas, tanto a amigos e familiares como ao público em geral. Faltava-me confiança para as partilhar, mas, ainda assim, elas continuavam a surgir de forma natural. Compondo-as como uma espécie de desabafo, quase como uma forma de terapia, nunca me preocupei muito em divulgá-las: a minha maior realização estava no simples ato de as criar, como se fossem um diário pessoal. Foi apenas em 2012, já com vinte e poucos anos e após muita insistência de várias pessoas, que decidi dar início ao projeto e marcar os primeiros concertos. Nesse momento, convidei o Ricardo, um amigo de longa data e excelente guitarrista, para se juntar a mim. O nome da banda — Letters From a Dead Man — é forte, enigmático e algo melancólico. Como surgiu e o que representa para vocês? Desde muito novo que sempre me fascinou o conceito de obras que vão além da superfície, tanto na música como no cinema e na literatura. Filmes e séries com grandes conceitos por detrás sempre me inspiraram, e penso que essa influência se refletiu naturalmente nas músicas que compunha. Como ouvinte, sempre gostei de canções que contam uma história e que, sobretudo, criam uma ligação entre si, despertando a curiosidade para descobrir mais. Ao reunir dezenas de letras escritas entre os 13 e os 18 anos, percebi que existia nelas uma ligação evidente. Era como se fossem páginas de um diário íntimo. Daí nasceu a ideia de “Letters From a Dead Man”: um nome que traduz a sensação de alguém que, nos últimos dias de vida, revisita os problemas, desafios e emoções vividos ao longo do tempo. A escolha foi muito espontânea, quase natural. Na época, também ouvia bastante um projeto chamado Right Away! Great Captain, que, de certa forma, acabou por me inspirar nesta decisão. A vossa discografia segue um percurso bastante conceptual, com capítulos, memórias e temas recorrentes. Desde o “Chapter I” até ao novo álbum, como é que sentem que a banda e o vosso processo criativo evoluíram? Acredito que evoluímos de forma bastante natural. Com o passar dos anos, fomos compreendendo melhor o tipo de música que queríamos criar. Nos primeiros EPs ainda existia alguma incerteza sobre o nosso caminho, até porque cada elemento trazia influências próprias e distintas. No entanto, com o tempo, encontrámos o nosso espaço e a nossa identidade. As canções continuam a nascer sempre da mesma forma: de uma guitarra acústica e de uma voz. A partir daí, tudo o resto se constrói. O que sempre identificou o projeto foi a mensagem por detrás das músicas, os refrães marcantes e as letras — tudo o mais foi-se moldando naturalmente. Hoje, sentimos que estamos mais maduros e conscientes, e que descobrimos aquilo que realmente nos faz felizes enquanto músicos. “Somewhere I Was Lost”, o vosso primeiro EP, saiu em 2014. O que recordam dessa fase inicial do projeto? O que mudou desde então, musicalmente e pessoalmente? Muita coisa mudou. Talvez as únicas constantes tenham sido a mensagem do projeto, a sua essência e, claro, a parceria entre mim e o Ricardo. O primeiro EP foi gravado em colaboração com a EP Produções, que na altura acreditou em mim e apostou no projeto — algo a que serei sempre grato, pois fazem parte da nossa história. No entanto, sendo a primeira experiência em estúdio e tendo eu pouco mais de 20 anos, senti que ainda não conseguia expressar musicalmente tudo o que pretendia. A banda estava ainda em formação: o Ricardo só entrou depois do EP já estar concluído, por isso, nessa altura, tudo era novo e em construção. Os vossos lançamentos têm sempre um grande intervalo entre si. Essa distância temporal é intencional, como parte do processo, ou resulta das exigências da vida fora da música? Exatamente. Gostaríamos muito de viver apenas deste projeto, mas infelizmente não é possível. Cada um de nós tem o seu emprego, totalmente fora da área musical, o que não nos permite dedicar-nos a tempo inteiro. No início ainda tentei viver apenas da música, mas rapidamente percebi que não seria viável por vários motivos. Hoje, olhando para trás, sinto que essa decisão acabou por ser a mais acertada. Encontrámos um equilíbrio e estamos confortáveis com ele. Não temos pressa: acreditamos que a arte não deve ser uma corrida de 100 metros. O importante é lançar novas obras quando sentimos que estamos realmente preparados e confiantes no que temos para oferecer. Entre o primeiro e o segundo capítulo passaram cinco anos. O que motivou a continuação da história …
KIM DRACULA estreia-se ao vivo em Portugal em janeiro

Kim Dracula, uma das figuras mais irreverentes da nova vaga de música alternativa, atua pela primeira vez em Portugal no próximo dia 24 de janeiro de 2025, na República da Música, em Lisboa. Conhecido pela sua abordagem arrojada e pela fusão única de géneros que vão do metal ao trap, passando pelo industrial, jazz, post-hardcore e synthwave, Kim Dracula tem vindo a conquistar uma legião de seguidores em todo o mundo. Com temas virais como “Make Me Famous” e “Drown”, o artista australiano afirma-se como um verdadeiro camaleão sonoro — caótico, melódico e intensamente criativo. O concerto promete ser uma experiência audiovisual marcante, em linha com a estética provocadora e teatral que caracteriza o artista. A produção antecipa um espetáculo de grande intensidade, com momentos imprevisíveis e uma energia contagiante. O cartaz contará ainda com convidados especiais, a anunciar brevemente. Pré-venda geral arranca já na quarta-feira, 1 de outubro, às 10h00, através do website oficial e redes sociais de Kim Dracula. Pré-venda exclusiva Free Music começa na quinta-feira, 2 de outubro, também às 10h00. Para aceder, é necessário subscrever a newsletter da plataforma, que enviará um código de acesso aos inscritos. A venda geral de bilhetes abre na sexta-feira, 3 de outubro, a partir das 10h00. Data: 24 de janeiro de 2025 Local: República da Música, Lisboa Abertura de portas: 20h00 Início do espetáculo: 20h30