SOBRE NÓS

Ficha técnica
Sandra Pinto (texto)
Luís Pissarro (web/fotografia)
David Pissarro (texto)
Pedro Sebastião (fotografia/filme)
Filipa Moreno (texto)
Jon Marx (texto)

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Noite de festa na Sala Tejo ver Kreator que trouxeram uma “ajuda” de peso com Carcass, Exodus e Nails

O regresso dos Kreator a Lisboa, no passado dia 20 de março, transformou a Sala Tejo num daqueles raros momentos em que tudo parece acontecer ao mesmo tempo: caos, reencontros, suor e pura celebração. Integrado na digressão Krushers of the World Tour, o concerto trouxe ainda Carcass, Exodus e Nails, mas foi claro desde cedo que a noite tinha dono. Texto: Sandra Pinto Fotos: Luís Pissarro Os Kreator já não precisam de provas a ninguém. Formados em 1982, em Essen, são um dos pilares do thrash metal europeu e continuam a soar como se o tempo tivesse passado por eles sem conseguir abrandar nada. Em Lisboa, isso sentiu-se logo nos primeiros segundos. “Seven Serpents” abriu o concerto sem piedade. Não houve aquecimento nem contemplação: só velocidade, riffs afiados e uma plateia que já estava completamente entregue. A partir daí, o concerto foi uma viagem pela história da banda, misturando temas recentes como “Hate Über Alles” com clássicos absolutos como “People of the Lie”, “Betrayer” e “Coma of Souls”. No centro de tudo esteve Mille Petrozza, com aquela presença que não precisa de exageros. Ele não “faz” o espetáculo sozinho; ele puxa-o para a frente. E o resto vem atrás. Mas o concerto começou a ganhar outra dimensão ainda antes do primeiro riff. Lá fora, a chuva já tinha deixado a sua marca, e muitos fãs chegaram à Sala Tejo completamente encharcados, casacos pesados, roupa colada ao corpo, aquele ar de quem já tinha feito uma parte da luta antes de entrar. E lá dentro, em vez de quebrar o espírito, isso só o reforçou. O ambiente era muito mais de reencontro do que de simples concerto. Amigos que não se viam há meses ou mesmo anos voltaram a cruzar-se ali, entre abraços rápidos, cervejas na mão e frases do tipo “tu ainda por cá andas?”. Havia qualquer coisa de reunião improvisada, quase familiar, que dava ao espaço uma energia de festival, mesmo sendo uma sala fechada. Visualmente, o espetáculo foi direto e sem filtros. Luzes fortes, quase agressivas, a acompanhar a intensidade da música. No cenário, figuras e elementos visuais marcantes — incluindo cabeças cortadas em palco — davam aquele toque cru e frontal, sem grandes simbolismos ou misticismos: apenas impacto, alinhado com o som. E depois houve o fogo. Muito fogo. E, algures no meio de tudo isto, papelotes a cair do teto — uma única vez, mas suficiente para criar aquele instante estranho e bonito em que a sala inteira olha para cima sem parar o que está a viver. Mas o verdadeiro coração da noite esteve sempre na plateia. O mosh foi constante, sem pausas, mas o que ficou mesmo foi o crowdsurfing ininterrupto. Pessoas a passar por cima da multidão, suadas, cansadas, felizes, como se fossem levadas por uma corrente que não abrandava. Era uma espécie de fluxo contínuo, quase hipnótico, que fazia a sala parecer viva por si própria. Sempre que a banda acelerava, abriam-se circle pits enormes e tudo voltava a girar. E no meio disso tudo, havia uma sensação simples: ninguém estava ali só para ver um concerto. Estavam a fazer parte dele. No fim, os Kreator voltam a confirmar porque continuam no topo do thrash metal mundial. Não vivem de nostalgia, vivem de consistência, força e de uma presença que continua a fazer sentido em qualquer palco. Foi uma noite intensa, barulhenta, encharcada antes mesmo de começar e completamente viva até ao último segundo. Mais do que um concerto, foi um reencontro coletivo. Uma descarga de energia. E um daqueles momentos em que a cidade inteira parece caber dentro de uma sala. Foi um daqueles momentos que mostram como o tempo pode passar, mas certas bandas continuam a soar tão relevantes e afiadas como sempre. Pois claro que falamos do concerto dos britânicos Carcass. Com origem em Liverpool e uma carreira que começou ainda nos anos 80, os Carcass carregam um legado pesado dentro do metal extremo. Mas mais do que isso, mostram em palco que não estão ali apenas para celebrar o passado. Estão ali para tocar e tocar a sério. A abertura, com “The Living Dead at the Manchester Morgue”, serviu como uma espécie de introdução atmosférica antes do impacto real. “Unfit for Human Consumption” entrou logo a seguir e definiu o tom: som pesado, execução precisa e zero espaço para distrações. A partir daí, o concerto foi construído com uma fluidez impressionante, alternando entre fases diferentes da banda sem nunca quebrar o ritmo.Clássicos como “Buried Dreams”, “Incarnated Solvent Abuse” e “No Love Lost” foram recebidos como seria de esperar: com entusiasmo genuíno de um público que conhece bem o material. Pelo meio, temas como “Carnal Forge” e “Dance of Ixtab” trouxeram esse lado mais melódico e estruturado que os Carcass foram desenvolvendo ao longo dos anos, sem nunca perder peso. Já na reta final, “Corporal Jigsore Quandary” levantou ainda mais a sala, antes do inevitável fecho com “Heartwork”, que acabou por ser um dos momentos mais marcantes do concerto. Em palco, tudo parece natural. Jeff Walker continua a liderar com aquela mistura de atitude e ironia que lhe é tão característica, enquanto Bill Steer mantém a base sonora da banda com uma segurança impressionante. Não há excessos, não há grandes discursos. Há apenas foco na música, e isso sente-se. Sólidos, diretos e honestos, sem nostalgia forçada ou truques, os Carcass são uns senhores, uns senhores que sabem exatamente quem são e o que fazem em cima de um palco, e isso para os fãs é tudo. O concerto dos Exodus foi exatamente aquilo que o thrash metal promete desde os anos 80: velocidade, agressividade e zero paciência para distrações. A banda de São Francisco — formada em 1979 e uma das peças-chave da cena da Bay Area ao lado de nomes como Metallica e Slayer — entrou em palco com a segurança de quem ajudou a definir um género inteiro. E não houve cerimónias: tudo começou logo com “3111”, abrindo caminho para uma descarga contínua de riffs rápidos e bateria em alta rotação. A partir daí, foi uma …
SOEN regressam a Portugal com concerto único no LAV em 2026

Os SOEN regressam finalmente a Portugal para um concerto em nome próprio integrado na Reliance Tour 2026, com data marcada para 29 de novembro de 2026, no LAV – Lisboa ao Vivo (Sala 1). Este será o único espetáculo da banda em território nacional. Conhecidos pela sua sonoridade intensa, emocional e cinematográfica, os SOEN têm vindo a afirmar-se como uma das bandas mais consistentes do metal progressivo contemporâneo, construindo uma carreira marcada por álbuns aclamados e uma forte ligação ao público europeu. Em Lisboa, o grupo apresentará o seu mais recente trabalho, Reliance, num concerto que promete combinar peso, melodia e profundidade num ambiente envolvente, pensado para os fãs de sonoridades técnicas e emotivas. Tribulation e Vulkan completam o cartaz A noite contará ainda com convidados especiais de peso. Os suecos Tribulation juntam-se ao cartaz com a sua mistura característica de metal extremo e atmosferas góticas, num regresso há muito aguardado a Portugal. A abrir o espetáculo estarão os também suecos Vulkan, que trazem uma abordagem moderna e energética ao rock progressivo, prometendo preparar o público para uma noite intensa e variada. Uma noite imperdível para fãs de metal progressivo O concerto dos SOEN em Lisboa integra uma das datas mais aguardadas da Reliance Tour 2026, sendo apontado como um dos momentos altos do ano para os fãs de metal progressivo em Portugal. A combinação de três bandas com identidades fortes e distintas promete uma noite marcada pela intensidade, técnica e emoção, num regresso muito esperado dos SOEN aos palcos portugueses.
“A nossa sonoridade continua a progredir e Ensemble será mais uma prova disso mesmo”, Hourswill

Com Unheilvoll, o primeiro single de avanço do quarto álbum Ensemble, os Hourswill dão início a um novo capítulo na sua trajectória musical, onde o peso do heavy metal clássico se funde com a identidade progressiva e experimental que sempre os definiu. Nesta entrevista, a banda fala sobre a origem do tema, o seu significado e a forma como este se insere no conceito global do novo disco. Por Sandra Pinto Ao longo da conversa, os Hourswill exploram também o processo de composição e gravação, o equilíbrio entre acessibilidade e complexidade musical, e a evolução do seu som ao longo do tempo. Entre influências assumidas, uma forte carga conceptual e a colaboração continuada com a Ethereal Sound Works, Ensemble afirma-se como um trabalho que reforça a ideia de risco criativo, união e identidade colectiva. O single Unheilvoll é o primeiro avanço do vosso 4º álbum Ensemble. Como surgiu a ideia desta música? Surgiu de forma espontânea, aliás, como a totalidade do resto do material incluído no álbum. Tem a particularidade de ter sido o último tema a ser escrito para o disco e foi baseado na ideia de querermos algo orientado para uma sonoridade próxima do heavy metal mais clássico, sem muita complexidade e com uma mensagem de entendimento direta! É musicalmente inspirado em coisas como Saxon, Accept ou Scorpions do início de 80 entre outros do género. Qual é a mensagem ou o conceito central de Unheilvoll e como se encaixa no universo do álbum Ensemble? Unheilvoll é uma palavra alemã que significa desastroso, ameaçador ou nefasto. O conceito central retrata a existência humana na sociedade moderna e do constante crescimento de políticas e ideologias perigosas cultivadas sobre a frustração, a desilusão, a fraqueza, o fracasso, o descontentamento e o ódio humanos que podem conduzir, num futuro próximo, a vida como a conhecemos ao seu extermínio. Como se irá constatar mais à frente encaixa perfeitamente no que foi delineado conceptualmente para este álbum. O tema apresenta elementos característicos do vosso som progressivo. Como conseguiram equilibrar complexidade musical e acessibilidade para os ouvintes? Creio que este até é daqueles temas mais virado para o acessível do que propriamente para o complexo. Tem coisas que são muito características da nossa identidade musical enquanto colectivo, como o desafio ou o risco, mas de uma forma global, acho que um ouvinte do género não encontrará problemas em relacionar-se facilmente com o que aqui se lhe é apresentado. Como foi o processo de composição e gravação deste single? Alguma abordagem ou técnica particular se destacou? Foi uma criação muito espontânea. Queríamos um tema com uma natureza e estilo assumidamente mais tradicional dentro do heavy metal, mas, mantendo a nossa identidade. Foi um dos primeiros a ser gravado e a sua gravação decorreu de forma rápida, calma e sem grandes sobressaltos. Existe alguma história ou experiência pessoal que inspirou a criação de Unheilvoll? Nem por isso! Apenas existiu da nossa parte a intenção de retratar liricamente uma das muitas faces do estado atual da sociedade e de homenagear musicalmente uma quantidade de bandas que nos influenciaram e marcaram ao longo dos anos. Ensemble será lançado a 19 de maio de 2026. Que diferenças ou evoluções os fãs podem esperar em comparação com os álbuns anteriores? As pessoas que seguem o nosso trabalho e apreciam por alguma razão o que fazemos musicalmente já saberão que serão surpreendidas de alguma forma pelo conteúdo que iremos apresentar no futuro. O desafio e o risco são coisas que nos são inerentes enquanto força criativa, por isso, acredito que haverão muitos motivos de interesse e entretenimento neste novo disco. O título Ensemble sugere uma ideia de coletivo ou união. Como este conceito se reflete nas músicas do disco? Num mundo cada vez mais fraturado, extremo e dividido pelas diferenças, fez-nos sentido trazer para este trabalho uma mensagem de união. É um conceito utópico nos dias de hoje, sabemos disso, mas a música que escrevemos para o disco assim o exigiu. Unheilvoll e o próximo single, que irá sair em Abril, já revelam um pouco do que se poderá encontrar em termos de temática ao longo deste novo álbum. A banda costuma combinar metal progressivo com elementos atmosféricos ou experimentais. Que novas sonoridades podemos esperar neste álbum? Acredito que existe uma evolução musical em relação ao que fizemos no nosso disco anterior. Arriscou-se um pouco mais em matéria de composição mantendo no entanto a nossa identidade. Acho no geral que a nossa sonoridade continua a progredir e Ensemble será mais uma prova disso mesmo. Como foi trabalhar com a Ethereal Sound Works nesta fase de produção do álbum? Nós já temos uma relação de trabalho com a Ethereal Sound Works de mais de uma dezena de anos. Nós já sabemos com o que contar e eles já sabem o que podem esperar de nós. E desta vez, não foi diferente de todas as outras vezes. Felizmente, correu tudo conforme o que havia sido definido e planeado antecipadamente. Quais foram os maiores desafios ao compor material progressivo sem perder emoção e coesão? O desafio e o risco são definições que se encontram naturalmente presentes no que tentamos fazer em termos musicais. No entanto, acho que o material incluído neste novo álbum atinge um nível de emotividade que, apesar de presente nos discos anteriores, nunca esteve tão exposto e em evidência como neste trabalho. Como é o vosso processo colaborativo de composição dentro da banda? É do mais simplista que pode existir (risos)! Eu e o Nuno ( Peixoto, baterista ) vamos para o nosso estúdio compor e trabalhar em ideias que se considerem ser de alguma utilidade musical e que possam vir a dar resultados de futuro. Há vezes em que isso funciona, outras em que não. Depois juntamos os restantes elementos e começamos a trabalhar mais em detalhe qual o caminho a seguir. Houve algum tema ou faixa que foi particularmente difícil de finalizar para Ensemble? Que me recorde, não! Em termos de composição não houve assim nenhuma espécie de …
“I am happy making sad music. It’s my favorite type of music”, The Reds, Pinks and Purples

In this interview, songwriter Glenn Donaldson of The Reds, Pinks and Purples reflects on the emotional and sonic universe of Acknowledge Kindness, an album that moves between past, present, and possible futures, exploring memories, inner ghosts, and the delicate boundary between melancholy and hope. Throughout the conversation, the artist discusses his intuitive and non-linear writing process, where walks, literary references, and everyday experiences are transformed into creative material. By Sandra Pinto Drawing on influences ranging from 1980s alternative music to the vulnerability of indie rock classics, Glenn Donaldson also reveals the role of isolation in shaping his sound, the importance of occasional collaborations, and the way he balances raw emotion with meticulous production work. The result is an intimate portrait of a deeply personal record, where nostalgia is not just an aesthetic, but a way of being in the world. Glenn, you describe this album as an exploration of past, present, and possible futures. How did you manage to balance these different temporal dimensions in the songs? I feel like everyone is living in all three places all the time. We are probably living in the present the least. I am pretty free with my lyric writing. I never write in linear fashion. The perspective can change verse to verse. The album talks about “learning to live with your ghosts and trying to be alive in the present.” How did you translate this idea musically and lyrically? Some of my songs start vaguely as ghost stories. The ghost part is psychological or supernatural, not sure which. I use “ghost” and “memory” interchangeably in my writing. You mentioned inspirations ranging from old journals, poetry, and walks in the park. Which was the most influential in shaping the sound and atmosphere of the album? Walking is my main writing tool. It’s great for meditating and freeing your conscious mind up. Generally, I write from an emotional place, if I can get swept up in the words I follow that feeling. I add a bit of a twist when I am editing, but mostly it’s not an intellectual experience and is hard to explain. You compare your work to classics like California by American Music Club or 16 Lovers Lane by The Go-Betweens. Which elements of these albums did you try to bring into Acknowledge Kindness? I love the sound and feel of those records. Acoustic guitars, piano flourishes, lots of reverb of course. I am in love with the late 80’s sounds, big drums, chorus pedals, but it’s the vulnerability expressed in those records that make them inspiring for me. Houses is an atypical track for you, in 6/8 time and about the spaces between houses. How did the idea of exploring such an abstract theme come about? There’s a book called The Waves by Virginia Woolf, in which the existence of an empty house is an entire chapter. It’s a masterclass in writing, to leave out the human characters and just talk about a place, so I tried that with my song. It’s about the places in-between houses where I live, that appear in a lot of my photographs. The Houses video was created by Katiana Mashikian. What is it like working with someone who also performs live in the band? I feel like she understood the song on another level, being a good friend and collaborator. She came up with a perfect visualization of the themes. She lives 3 blocks away from me, so she gets the neighborhood that is part of The Reds, Pinks & Purples lore. In fact, the entire band lives in the same neighborhood. Steven R. Smith contributed baritone guitar. How does collaborating with other musicians influence your creative process? I mostly make my records in solitude. I like the isolation and maybe it comes through in the feel of the albums. If anything they are maybe too consistent, but that is my signature. Occasionally, when I get stuck, someone like Steve will add a different color, which makes it more fun for me. The band who play live me, are in a way my muses, I try to come up with songs that will later suit their style in the live context. The chiming guitars and piano create very intimate and melancholic soundscapes. How would you describe the sonic evolution of this work compared to your previous releases? I used more piano and nylon string acoustic guitar as the basis for the song structure, so that added a new element. I also got some better gear, which elevated the sound. I am into contrasting murky cavernous sounds with very clean sounds, and I was able to realize that even more on this album. You spent eight months on the arrangements while keeping the emotions at the core. What was the biggest challenge in maintaining emotional authenticity while polishing the album’s sound? I tend to get sick of my songs very quickly, so I had to keep editing and changing the music to keep my brain engaged. The vocals themselves are the hardest part of making any album. For me at least, they have to be a performance, so I tend to not edit the vocals. I spend a long time getting the backing track ready, but I try to nail the vocals in one take. Your music is often described as “melancholic yet hopeful.” How do you manage to balance these contrasts so delicately? I realize my songs are melancholy, so often last minute I will flip a few lines to be more positive just to let some light in. But I am happy making sad music. It’s my favorite type of music. I am a melancholy person. I am fine with it at this point. There’s a strong sense of nostalgia throughout the album. Is that something you intentionally seek or does it naturally emerge in your writing process? The art of songwriting is naturally nostalgic. Everyone writing a song is writing from memory of songs past, it doesn’t matter what genre. We …
“You have to be patient, if you want to create an album by yourself”, Boy Witch

With Echolalia, Boy Witch presents a hypnotic sonic universe where pulsing groove, psychedelic textures, and an experimental approach intersect organically. Through unconventional guitar tunings, electronic layers, and atmospheres that oscillate between dreamlike softness and raw intensity, Felix’s project stands as a deeply personal and handcrafted creation. Embracing a strong DIY ethos, the artist takes on multiple roles — composer, producer, musician, and visual creator — to shape a work that simultaneously explores nostalgia and futuristic aesthetics. By Sandra Pinto In this interview, Felix reflects on the creative process behind the album, his influences, and the way he builds the immersive world of Boy Witch. Felix, Echolalia features a pulsing groove and hypnotic riffs. How did the idea for this song and its musical concept come about? Hey there, first, thanks for the interview! It all started with the verse of the song, which I played in a non-standard guitar tuning. After adding additional parts and layers with various instruments I came up with the lyrics. The retro-space video includes footage from NASA missions, aligning with Artemis II. What was the inspiration behind this visual choice? I really like old videos, which have a retro vibe and make the viewer travel in time for a moment. I’m also a big fan of Boards of Canada and there are many videos by fans on YouTube, which were edited by using old videos from the 60s, 70s, and 80s. This inspired me to create such a video for my own music. The visuals of the video give the song a whole new dimension and open new doors for interpreting the song. The track blends soft and distorted tones, culminating in an expressive solo. How do you balance gentleness with intensity during the songwriting process? This normally comes naturally by trying out different guitar effects and synths. The gentle and more dreamy parts often have different delays, echoes, phasers and other effects. The heavier and more intense parts are created by using more distorted effects. I like to blend both in the songs. This is your debut album. What were the biggest challenges in creating such an atmospheric and multidimensional sonic universe? You have to be patient, if you want to create an album by yourself. I sometimes added additional parts after months because I felt the song could use some extra layers. This also eventually resulted in a different mix of the songs, having a coherent sound on all the songs. Your music combines psychedelia with electronic and experimental elements. How would you define Boy Witch’s unique sound? I’d define it similarly to your description. Boy Witch combines Psychedelic Rock, Alternative Rock, electronic and more “experimental” elements. You worked on every song as composer, producer, musician, and visual artist. How do you manage so many creative roles within one project? Thankfully, today it is possible to create and record on your own without having a huge record label who pays for recording in an expensive and fancy studio. I like the DIY style that other artists like Mac DeMarco, Tame Impala, Unknown Mortal Orchestra and other musicians follow. I have my own little studio, rehearsal space and I know some cool smaller studios in Berlin, where I can create and record. The writing process itself comes naturally and spontaneously. Moreover, it’s also about experimenting with different styles, sounds, and visuals. Which artists or sonic experiences had the biggest impact on the album? You mention influences like Wand, Boards of Canada, and Unknown Mortal Orchestra… The dreamy synth parts are inspired by my love for Boards of Canada, especially the album “the Campfire Headphase”. UMO, especially their first two albums, inspired me, too. QOTSA and their “…like Clockwork” was an inspiration. Soundgarden and Alice in Chains have also had a big influence. Gidon Carmel plays drums on the record. How was the collaboration with him, and how did it influence the energy of the songs? Gidon is a session drummer who has played in numerous projects and knows how to play in many different styles. He is the main drummer for Lucy Kruger and the Lost Boys, a cool band you should check out. I sent Gidi my demos beforehand and we went to the studio to record the drums. I told him what vibe the songs should have and then he added his ideas to the songs. When planning your live shows, how do you recreate this fusion of psychedelia, groove, and instrumental intensity? For the live shows there are additional musicians, to recreate the Boy Witch sound. I play with an international band with interesting backgrounds and musical styles. Your sound blends nostalgia with futurism. Is this intentional, or does it emerge naturally in your creative process? I think this comes naturally. I’m a big fan of music from the past decades but I also like the advantages of being able to create everything more easily with more modern techniques. I like old tape machines, old videos tapes, and things like that, but it’s also nice to record with a DAW and play around. After the album release, which creative directions or sonic experiments are you eager to explore next? There are already enough songs for a new EP or even LP, but first I want to play live and perform as Boy Witch. The next album might even be a bit more collaborative with the band members and different instruments. If you had to describe Boy Witch in three words for someone who has never heard your music, what would they be? Raw, dreamy and real.