Timo Rotten Archives

by lookmagpt Janeiro 5, 2025

À conversa com Timo Rotten dos Oceans

A banda alemã OCEANS vai passar por Portugal no próximo mês de fevereiro para fazer a primeira parte dos dois concertos dos Pain em Lisboa e no Porto. Estivemos à conversa com o vocalista, Timo Rotten que nos contou um pouco da história do OCEANS, da forma como os músicos se conhecerem e como desenvolveram o seu trabalho até assinarem pela Nuclear Blast, sem nunca terem dado um concerto. Tendo atuado ...

Antestreia “Burning Ambition”, o documentário sobre os Iron Maiden em imagens

“Burning Ambition”, o documentário sobre os Iron Maiden, chega hoje às salas de cinema. A LOOK mag esteve na antestreia, assim como muitas caras conhecidas.
Ambição justificada: “Burning Ambition”, o documentário sobre os Iron Maiden, chega hoje às salas de cinema

Hesitei em iniciar este texto com uma referência ao 13 de Maio, dia de aparições ou trips colectivas, peregrinações ou grandes ajuntamentos movidos pela fé, pois seria demasiado cliché. Mas por o tema ser Iron Maiden, tal parece que se impõe. “Imagem ou ideia muito repetida ou estereotipada ”, diz o dicionário da Infopédia sobre o que é um cliché, e uma grande percentagem daqueles que o heavy metal tem foram criados pelos Iron Maiden, muito mais que pelos pais fundadores, Black Sabbath, só rivalizando com os Judas Priest. Damos uma conotação negativa à palavra, mas aqui não a aplico em sentido pejorativo, mas de reconhecimento da importância fulcral dos Iron Maiden no som, imagem e idiossincrasias do género musical em que se inserem, e da sua importância na história da música em geral. Por Ricardo S. Amorim “Burning Ambition” é o novo documentário sobre os Iron Maiden (e não dos Iron Maiden, como Steve Harris já fez questão de sublinhar) e teve a sua antestreia precisamente no dia 13 de Maio. De acordo com a sua apresentação oficial, cito: “abrangendo cinco décadas, este documentário eletrizante traça a ascensão da banda desde os pubs do leste de Londres até aos maiores estádios do mundo. Com entrevistas exclusivas com membros da banda e colaboradores como Javier Bardem, Lars Ulrich e Chuck D, bem como sequências animadas totalmente novas da lendária mascote da banda, Eddie, o filme oferece um olhar raro e íntimo sobre a visão intransigente dos Iron Maiden e a sua ligação inabalável com o seu exército verdadeiramente global de fãs.” É um resumo bastante fiel do que é este filme: relata as origens humildes de um grupo de jovens da classe trabalhadora, a sua ascensão, queda e ‘re-ascensão’, tem testemunhos de vedetas (novamente, sem conotações pejorativas), fãs de diferentes origens e backgrounds e com percursos bastante distintos. Sobre as vedetas, a maioria não acrescenta muito. Lars Ulrich e Scott Ian picam o ponto, como parece acontecer em todos os documentários sobre todos os assuntos, bem como Tom Morello, que parece ser o novo porta-estandarte do metal (e até está a realizar um documentário sobre os Judas Priest). Por outro lado, o actor espanhol Javier Bardem dá um testemunho apaixonante em todas as suas intervenções. Não é apenas uma celebridade que usa a t-shirt pela graça, é tão fã quanto nós (excelente, o momento em que declama a letra de “Run to the Hills” como se de Shakespeare se tratasse), e fica a sensação de que o testemunho de Chuck D, dos Public Enemy poderia ser mais bem aproveitado. Por ser uma pessoa com um discurso tão articulado, com um nível cultural tão elevado e por ser uma figura incontornável de um género tão distante do heavy metal (ou não, aqui as opiniões dividem-se e não é este o espaço para a discussão sobre esses cruzamentos), poderia ter muito de interessante a dizer, além do pouco que foi incluído. No que diz respeito ao relato da história dos Iron Maiden, não existe propriamente qualquer novidade para os fãs medianamente informados sobre o percurso da banda. A história é contada de forma necessariamente superficial, pois seriam necessárias horas de documentário para a detalhar. Por exemplo, entende-se o que levou à saída de Paul DiAnno e, mais tarde, de Adrian Smith e Bruce Dickinson (que regressariam em 1999), mas ficou por explicar a mudança de Clive Burr por Nicko McBrain, ou até mesmo Dennis Stratton (que é praticamente ignorado) por Adrian Smith. Todavia, para quem pretender conhecer a história em maior detalhe, além de diversa bibliografia, existem os documentários “The History of Iron Maiden – Part 1: The Early Days”, seguidos da segunda parte como extra na edição de 2008 de “Live After Death” em DVD e “Maiden England ‘88” em 2013. Nessas três peças, essenciais para qualquer fã, a história é contada com bastante detalhe até determinada fase cronológica. “Burning Ambition”, como documento histórico, tem a mais-valia de cobrir a fase Blaze Bailey, e o regresso de Bruce e Adrian no final da década de 90, para voltar a fazer crescer os Iron Maiden no Século XXI a patamares de popularidade muito superiores à década dourada de 80 e com uma impressionante capacidade de rejuvenescimento da sua base de fãs. Existe hereditariedade, da paixão que passa de pais para filhos e até para netos, mas também há redescoberta orgânica e espontânea pelos mais jovens, o que é verdadeiramente notável. Sobre Blaze Bailey, parece existir uma clara intenção na sua defesa, pois personifica a queda dos Maiden. A popularidade caiu a pique nessa fase, mas a criatividade, já dava sinais de esgotamento depois de “Seventh Son of a Seventh Son” e a saída de Adrian Smith em 1990. Para uma geração que cresceu a ouvir o pedido de “scream for me Long Beach” no “Live After Death”, sabendo que esgotavam arenas por toda a América do Norte, foi chocante saber que passaram a tocar em salas com capacidade para 1000 pessoas naquele território e nem 500 tinham em algumas cidades. E sabemos que, mesmo que com menor decadência, aconteceu em todos os territórios, embora Rod Smallwood diga que foi circunscrito à América do Norte. É verdade que Bailey teve o emprego mais difícil do mundo (substituir Bruce Dickinson), mas fica patente uma clara intenção de defesa do infamado vocalista, que terá as suas valências, mas que creio ter sido um erro de casting, embora não tão mau quanto o gosto para calças nos anos 80. E nessa defesa, era escusado tanto tempo de imagens de Bailey e Harris passados, à procura de quem teria cuspido no vocalista. Poucos segundos seriam suficientes para ilustrar as adversidades com que se deparou na altura. Tanto tempo, foi apenas humilhante. O papel de Eddie é bem explicado e demonstrado, e com várias animações ao longo do documentário (pessoalmente, acho que poderiam ser melhores: um Eddie com uma qualidade de animação Pixar teria sido brutal), pois é o personagem que cria uma intemporalidade e misticismo em relação a …
“O álbum representa a nossa identidade, mas tudo está em aberto para as próximas músicas”, INSVLA

Os INSVLA chegam ao seu álbum de estreia, “AVIR”, depois de um processo criativo longo, intenso e profundamente emocional, que se estendeu ao longo de quase três anos. Nascido em 2023, o projeto rapidamente construiu uma identidade própria assente numa fusão pouco convencional de metal, prog, pop, eletrónica e acústico, sempre ancorada numa forte componente conceptual e visual. Mais do que um disco, “AVIR” surge como uma odisseia sonora e emocional marcada por isolamento, transformação e mergulho interior. Entre experiências pessoais, crises individuais e uma exploração contínua de estados emocionais extremos, a banda transforma vulnerabilidade em linguagem artística, num registo onde densidade sónica e intimidade coexistem. Por Sandra Pinto Nesta entrevista, os INSVLA abrem o processo criativo por detrás de um trabalho que procura não só afirmar uma identidade, mas também construir um universo próprio onde som, imagem e emoção se cruzam de forma contínua. Os INSVLA nasceram em 2023 e rapidamente construíram uma identidade muito própria. Como é que descrevem este primeiro capítulo da banda até chegar a “AVIR”? Pedro: É mesmo difícil descrever em poucas palavras quase três anos das nossas vidas, que foi o tempo durante o qual este álbum foi criado. Sinto que cada um de nós passou por várias mudanças a nível pessoal nesse tempo, e que isso se reflete na parte artística e musical, porque enquanto vivíamos os desafios do mundo real, estávamos também em comunhão com as nossas músicas e isso permitiu-nos explorar um leque enorme de emoções. Então este foi um primeiro capítulo bastante intenso para todos, mas que também nos permitiu partilha e crescimento enquanto banda, e nos fez também pensar ao detalhe cada música deste álbum. Tenho a certeza que vamos sempre recordar o “AVIR” com muita nostalgia e carinho. Sienna: Em primeiro lugar eu também descreveria como intenso, e muito marcado pelas nossas emoções e vivências. Foram três anos em que cada um de nós enfrentou desafios pessoais, existiram questões familiares, dificuldades com amizades, desilusões amorosas e outras experiências que inevitavelmente nos moldaram, e tudo isso acaba por se refletir na música que criámos. Este primeiro capitulo foi um processo de mergulho interior, daí também esta temática que apresentamos no álbum.. enfrentar silêncios, medos e memórias, revisitar o que nos marcou e a partir daí encontrar a força para voltar à superfície. Para mim o “AVIR” é mesmo o resultado desse percurso, é intenso, honesto e humano. Acaba por ser o reflexo do nosso crescimento, das nossas cicatrizes e de como transformámos esses desafios em canções. O vosso som cruza metal, prog, pop, acústico e eletrónico. Como é que conseguiram encontrar coerência dentro de uma linguagem tão híbrida? Pedro : Da minha parte a convivência com vários estilos é bastante natural, consigo ouvir Pop e depois Death Metal no mesmo dia, até na mesma hora. Enquanto compositor, gosto de seguir aquilo que uma ideia ou sentimento me faz escutar internamente e criar, e nunca abordo uma música de INSVLA como algo que tem que soar Metal ou outro estilo específico. Há sentimentos que pedem uma sonoridade negra ou pesada, outros que me trazem um som misterioso e etéreo, ou até apenas um leve piano ou sussurro vocal. Felizmente tanto a Sienna como o Mário têm isto em comum comigo, cada um com os seus estilos favoritos e escutas bastante ecléticas, e isso passa naquilo que compõem para o projeto. Acho que encontramos a coerência através da história que sentimos que a música quer contar. Seguimos a mensagem e debatemos juntos como a vamos transmitir, e por fim vamos explorando juntos, tentando não nos fechar numa obrigatoriedade sonora. Tem sido essa a nossa abordagem até agora, e nesse processo penso que foi bastante natural conseguir estas ambiências diferentes que se podem escutar no álbum. Sienna: Nós apercebemo-nos de que a nossa base sonora vem da melancolia, e naturalmente seguimos mais por aí, mas a melancolia no som é expressada de variadas formas nos mais variados estilos, e nenhum de nós tem uma mente fechada, ouvimos bastantes artistas diferentes, que nos educam sobre detalhes e abordagens que inconscientemente ficam connosco e queremos explorar. Eu gosto imenso de Metal, mas também adoro artistas como Aurora, Sigur Rós, Sabrina Claudio , James Blake, Billie Eillish, e tantos outros que me inspiram na minha própria performance e visão. Quando canto, o meu som sai de forma natural mas também incorporo aquilo que oiço todos os dias. Com INSVLA, ao inicio até pensámos fazer algo mais mainstream ou comercial, mas acabámos por despir essa abordagem, precisamente porque foi natural para nós trazer todos estes elementos que nos inspiram, e que não conseguimos remover da nossa essência. Creio que a Arte não deve ter palas ou limites. Desde o início, a componente conceptual e visual tem sido muito forte no vosso trabalho. De onde vem essa necessidade de construir um universo tão completo à volta da música? Sienna: Esta construção visual e conceptual é bastante natural para mim. Quando oiço uma música e a sinto verdadeiramente, dou por mim a visualizar o que me está a ser passado no som, começo a imaginar o cenário, a história que está a decorrer e as personagens que nela habitam. Fazer música para mim é dar vida a sentimentos, e em INSVLA acabo por sentir uma necessidade de dar vida também ao som através de outro formato, neste caso mais visual. Como sinto a música com muita profundidade, quero dar vida a essas emoções. Depois usando as ferramentas que tenho, adapto as personagens e imagens que encontro dentro do tema que está ser abordado. Penso muito nos nossos vídeos como se fossem pequenas curtas-metragens, e tenho um enorme prazer em criar os storyboards e conceber o vestuário e caracterização que quero dar a cada um desses universos. Todos vocês trazem percursos e sensibilidades diferentes. Como é que essa diversidade se traduz no processo criativo? Pedro : Como temos visões e inspirações muito diversas, temos sempre conversas sobre o que cada um gostaria de explorar, sobre o objetivo emocional por …
“As ligações que criamos com as canções é algo muito especial”, Matilde na Lua

“5kg”, de Matilde na Lua, parte de uma ideia aparentemente simples — o peso invisível de crescer — mas rapidamente se transforma numa reflexão mais ampla sobre ansiedade, pertença e a pressão silenciosa da vida adulta. Ao longo da entrevista, a artista revisita o processo de criação da canção, escrita ao longo de vários anos e atravessada pela própria evolução pessoal, desde o início dos 20 até à aproximação dos 30. Por Sandra Pinto Entre a incerteza do futuro, a velocidade do quotidiano e a dificuldade em abrandar num mundo cada vez mais exigente, “5kg” surge como um exercício de tradução emocional em forma de pop intimista. Um tema que cruza experiência individual e leitura geracional, e que encontra na música um espaço de alívio, compreensão e partilha. “5kg” nasce como uma reflexão sobre o peso simbólico de crescer. Em que momento percebeste que essa seria a ideia central da canção? Acho que quando escrevi a linha “Um sábio diz que os 20 são assim”, que era algo que ouvia muito as pessoas dizer na altura, coisas como “isso é normal, faz parte de ter 20 anos” ou “isso são preocupações da idade”. A canção surgiu muito naturalmente, num estado de fluxo, até essa parte. Escrevi muito rápido e só parei aí, quando senti que havia uma conclusão no raciocínio. Começaste a escrever este tema no início dos teus 20 anos e só o terminaste agora. Como é que essa passagem do tempo mudou o significado da música para ti? Na altura estava literalmente a tentar perceber que trabalho procurar e estava um pouco ansiosa com o futuro, então havia alguma ansiedade e incerteza quando comecei a escrever. O refrão e o resto da canção surgiram já depois da primeira sessão de estúdio com o miguele, e nessa altura já estava mais a meio dos meus 20 anos, numa fase mais de encontrar soluções para aliviar esse peso e valorizar as pessoas e as pequenas coisas da vida que melhoram o nosso dia a dia, não pensar tanto no futuro. Hoje, quando lanço, já quase nos 30, acho a canção super divertida e neste momento ouço para aliviar algum peso e necessidade de controlo que possa sentir em relação ao futuro, descontrai-me. O título funciona como metáfora para um peso invisível que carregamos. Esses “5kg” são algo pessoal, coletivo ou uma mistura dos dois? Uma mistura dos dois. Tenho os meus objetivos e planos pessoais que por vezes são colocados numa timeline mental que causam esse peso, mas também coletivo porque o que me tenho apercebido é que de uma forma ou de outra todos carregamos algum peso invisível, é algo que vejo mais pessoas a falar e também surge muitas vezes em conversas com o meu círculo de amigos mais próximo. Sentes que essa sensação de pressão e insuficiência que descreves na música é algo geracional? Eu acho que sim. De certeza que noutras gerações houve outros pesos também, mas sinto que a velocidade e os estímulos da vida hoje em dia criam um ambiente muito propício a essa constante sensação de pressão e insuficiência. Sinto que é mais difícil lidar com momentos de espera, de tédio, de calma. Parar para pensar ou simplesmente para estar e aproveitar é visto ou sentido como perder tempo. Estamos constantemente à procura de ser produtivos e há uma pressa muito grande em fazer as coisas, como se estivéssemos sempre a correr contra o tempo. Mesmo na música vemos isso, é tudo muito rápido, até o tempo de apreciação. O interesse generalizado é algo muito volátil hoje em dia e se nós procurarmos ir atrás dele, estaremos sempre aquém do nosso potencial. Construir o nosso caminho acaba por parecer um bocadinho ir contra a corrente em momentos, porque a maior parte das vezes é mais demorado e muito mais gradual. A canção fala de uma procura constante por respostas. Em que medida essa procura ainda está presente na tua vida hoje? Não sinto hoje em dia que seja tão constante, mas acho que a procura por respostas estará presente a nossa vida toda, visto que nunca teremos de facto a resposta para tudo. Ou seja, hoje levo isso com naturalidade, não sei o que estarei a fazer daqui a 5 ou 10 anos, então procuro mais saber o que quero fazer agora. A letra cruza imagens muito diretas com uma dimensão mais abstrata. Como trabalhas esse equilíbrio entre o concreto e o emocional na tua escrita? Adoro esta pergunta. Acho que esse equilíbrio faz parte do processo que eu chamo de “traduzir emoções para canções”. O emocional vem muito de sensações que nós temos, o que o nosso corpo nos transmite, e o concreto traz a associação a algo visual, acho que ajuda a criar uma sensação de compreensão com o que sentimos. Normalmente começo pela emoção e tento “encaixar” numa situação ou numa metáfora, tenho uma sensação de peças de puzzle nos momentos em que faço essas ligações. Frases como “ninguém vê os quilos que me atrasam” sugerem uma dor silenciosa. Foi importante para ti dar voz a esse tipo de invisibilidade? Foi importante e acho que aqui toca muito na parte do coletivo, em encontrar empatia tanto para nós, como para os outros. Todos nós temos algum peso invisível que influencia os nossos passos e as nossas perspectivas e há alturas em que lidamos pior ou melhor com isso. Não quer dizer que tudo seja justificável por isso, mas quer dizer que nós vemos a vida através das lentes do nosso peso, e as outras pessoas vêm através do peso delas. Perceber isso pode ajudar-nos a comunicar melhor uns com os outros e também aliviar a constante necessidade de comparação e pressão. “5kg” mantém o universo do pop emocional que já te caracteriza. O que procuras preservar dentro dessa identidade sonora? Acho que o pop tem bastante elasticidade, há muitas variantes e abordagens hoje em dia e isso entusiasma-me. Ao mesmo tempo, é orelhudo e tentar criar melodias e harmonias …
Porto Blues Fest regressa em 2026 ao Palácio de Cristal com nomes históricos e foco na sustentabilidade

O Porto Blues Fest regressa nos dias 24 e 25 de julho de 2026 à Concha Acústica dos Jardins do Palácio de Cristal, no Porto, para mais uma edição dedicada ao blues num dos espaços culturais mais emblemáticos da cidade. O evento conta com o apoio da Ágora – Cultura e Desporto e consolida-se, após oito edições, como uma referência no panorama musical nacional. Com um público fiel e uma programação ao ar livre que privilegia a proximidade entre artistas e espetadores, o festival distingue-se pela valorização da qualidade artística e da identidade cultural do género. A edição de 2026 cruza artistas internacionais e projetos nacionais. Entre os destaques do palco principal estão os britânicos Ten Years After, uma das bandas históricas do blues rock, bem como Dede Priest & Johnny Clark’s Outlaws, Cosimo & The Hot Coals e os portugueses Peter Storm & The Blues Society. A programação integra ainda o Palco Youth, desenvolvido em parceria com a Academia de Guitarra do Porto by Bunker, reforçando a aposta na formação de jovens músicos. O espaço pretende dar visibilidade a novos talentos e proporcionar a sua primeira experiência em contexto profissional. O melhor aluno da academia terá ainda a oportunidade de atuar com um dos artistas do cartaz principal. Para além da componente artística, o festival mantém uma vertente formativa, atribuindo uma bolsa para a Little Steven Blues School, na Noruega, permitindo a um jovem músico português aprofundar a sua formação internacional no universo do blues. A sustentabilidade continua a ser um dos pilares do Porto Blues Fest. O evento implementa medidas como compensação da pegada de carbono, reflorestação em parceria com o projeto FUTURO – 100.000 Árvores, utilização de materiais reutilizáveis e gestão responsável de resíduos. Parte da receita de bilheteira será também canalizada para iniciativas ambientais. Horários e bilhetes O festival decorre na Concha Acústica dos Jardins do Palácio de Cristal, com o Palco Youth a partir das 18h30 e os concertos principais às 21h30 e 23h00. Os bilhetes já estão disponíveis: Passe diário: 25€ Passe geral: 35€ Combinando música, formação e responsabilidade ambiental, o Porto Blues Fest afirma-se como um evento que procura ir além do palco, com impacto artístico, social e ecológico.